作家紹介

( English ) An interview with Kazuto Yoshikawa

( English ) An interview with Kazuto Yoshikawa

 

Do you have any particular memories of your childhood ?

 There is a mountain just back of my house, and I used to do what boys play in a forest, like shaving wood to make bows, making tree houses,  and playing like Tarzan with hanging strings between trees… But the forest is not just for fun. There, I saw carcasses of animals and fishes, swarmed by bugs, and moths were swarming for sap of...


吉川和人インタビュー

吉川和人インタビュー

吉川和人インタビュー

ー子供の頃の思い出で特に印象に残っていることはありますか。

 家の裏がすぐ山だったんですけど、男の子が森でやるようなことをしていましたね。木を削って弓とかを作って遊んだり、ツリーハウスを作ったり、ターザンみたいに紐をぶら下げて遊んだりでもそういう楽しいことだけじゃない森っていうのもあって。森や池に入ると動物や魚の死骸があったりするんですけど、それに虫がたかっていたり、樹液には蛾が群がっていたり。いろんな植物とか生物がそこら中で生きていて、そこら中で死んでいるんですよねそういう生きて死んでを繰り返すさまを見てゾワゾワと感じるものがあって。あと、嵐の夜は大木が揺れてゴーゴーと音もすごくて怖かったですし、自分の部屋が森に面していたんですが、キジやフクロウの啼き声が聞こえたり、夜の森はそういう有象無象というか魑魅魍魎としたものが蠢いている場所になるんです。昼はそんなことは深くは感じないですが。あと季節ごとに色も、匂いも、音も変わって。

 ー森は生と死を学ぶ場でもあったんですね。

 そうですね。木は森の営みの中心なわけで、他の動物や昆虫に食べ物をい与えたり、葉を落としてそれが養分になったり。そういう意味でちょっと怖れを抱く存在というか。昼間は登って遊んだりしていても、実際はすごい存在なんだろうと思っていました。そういうことで言うと、他のプロダクトデザイナーと比べて思うところは、やっぱり彼らは木を質量として見ていると思うんです。こういう立体を作るための構造物として質量としてあるということなんですけど、僕にとってはそれは一個ずつ生々しいものがあったので、単なる素材とは違うと思っていて。言ってみれば、これって尸(しかばね)ですからね。彼らが生きた後の遺体を扱っているわけなんです。そういう意味で一回きりの存在ですよね。それは燃やせば灰になって風に飛ばされて、次の世代の養分にもなるわけで、それも潔いと思うしなのでデザインとかプロダクトとかは以前から好きでしたけど、木に関しては別の捉え方をしていたかもしれません。木工をやる人は朽ちたり、木目が不規則だったり、節が入ったりした木は、ちょっと構造的に弱くなったり、バランスが崩れたするんで排除する人もいますけど、僕はそれを逆に受け入れるというか、むしろそれが木だという感じで使うという考え方何ですけど、それは恐らく小さい時の経験から来ているんじゃないかなと思いますね。

 ー子供の頃、森は遊び場でもあり、生と死を学ぶ場でもあったということですが、そういう森の二面性は現在作品を作るときに反映されているということはありますか。

 そうですね。プレーンな木は日常使いできる物に、象徴的なパワーがあるようなゴツいものはアートピース的なアプローチの作品にしたりとか、それは両方とも必要だと思っていますけど、確かに森の昼と夜という感じかもしれないですね。

 ー木工を始めたのはいつからですか。

 小学校3年生の時に母の日のプレゼントに木のスプーンを作ったんですけど、最初は趣味でやっていて、仕事として始めようと思ったのは35歳くらいですかね。スプーンから始めたんですけど、もともと立体とか彫刻も好きで、スプーンは一番身近な彫刻なので。プラス機能も必要とされると言う意味で、その機能と造形の融合ということで奥が深いと思っています。

 ー吉川さんの作品はカーブが特徴的だと思うんですが、そういうものが好きなのは、自然とか森での経験や観察と繋がっているんでしょうか。

 そうですね。例えばバターナイフなんかは、植物の種でプロペラ状のものがあるんですが、その形状がヒントになっています。それから卵とか河原の丸石とかの形も好きですね。質量っていうか重さとか硬さは不均一なものの塊なんだけど、それがなんかの理由で削ぎ落とされていって、一番最後に均衡した形になる。水の滴とかも重力と表面張力で一番バランスがとれた形になるんですね。木工の学校に入った時に、先生が色々教えてくれたことの中に、彼はもともと彫刻家なんですが、「世の中の物は必ず重力の影響を受けて引っ張られていて、形も重力の影響から逃れられない。」っていうのがあって。それを聞いた時に面白いなと。そういう重力とか膨張力とかの影響を受けて均衡したラインが一番綺麗なラインじゃないかと思ったんですね。デザインについてもう少し言うと、一番ヒントにしているのは人間の身体です。人間の身体も重力によって引っ張られながら動くための色んな構造があって、その上に肉がついているんですね。これ自体も外の均衡によって成り立っているんで、人の体とか動きとかすごい見てますね。腰のラインとか首から肩のラインとか、あとは鳥とか動物の首のラインとか。

 ー話が少し前後しますが、大学を出て一度就職されたわけですけど、最初から作家になろうとは思っていなかったんですか。そしてその後、会社を辞めて作家になろうと思ったのは、何かきっかけがあったんですか。

 元々物を作るのが好きで、大学の時も美術部だったんですが、それを仕事にはできないんじゃないかなと思ったんです。無理だと思って諦めていたんですね。それでもデザインが好きだったのでカッシーナに就職しました。プロダクトデザインの周辺で生きていければと思っていたんですね。でも2011年に震災があって、人生について改めて色々と考えました。その時35歳で、もう人生を決める時ですよね。それで一度きりの人生なら、思い切って好きなことに挑戦してみようって思ったのがきっかけです。それから岐阜県の木工の学校に入りました。

 ー現在の取り組みについて教えてください。東京のアトリエに加え、ここ三重にも新しく拠点を作ったわけですが。

 ここはトヨタが所有している広大な森があって、その森林を保全しながら有効に活用するプロジェクトに応募して通ったんですけど、森の木を使った製品を開発販売し、そのお金でまた地域の木を買って循環させていくことと、もう一つは地域の学校での木を使った教育です。始まって一年半くらいですけど、教育では地元の高校での木工の授業が進んでいて、商品開発は今年の5月にここを借りてから少しずつ動き始めています。ここは元々工場の跡地だったんですけど、森の木を使った製品を作る製造ラインを立ち上げて、軌道に乗ったら現地の人たちも雇用する計画です。あとそうした生産機能に加え、地域活性で人が集まる場所にしたいと思っていて、手を動かして木で物を作る面白さを一般の人とシェアできる施設にして行きたいと考えています。

ーそれは楽しみですね。吉川さんは、ワークショップを色々なところで継続的にやっていますけど、どういう思いで続けているんですか。

 サラリーマンを辞めて、木工作家になろうと思った時に、何から始めればいいのか分からなくて。使う道具も分からないし。そういうことがあったので、ナイフで木を削って物を作るということの敷居を下げて、気軽に物づくりを楽しめる場を作りたいということがあります、あと、ちょっと突っ込んだことを言うと、木を使って何かを作ることって、何かしんどいことがあった人が立ち直るようなきっかけになる力があると思っていて。自己肯定感も生まれるし。実際、深刻にそういうものを求めている人っているんですよね。それはある時期の自分にとってもそうでした。そういう人たちにリーチするのがもう一つのミッションです。僕はワークショップの参加者にはある程度の完成度まで行かないとOKを出さないんですが、いいものができるとやっぱり喜んでくれるんですよね。2時間半の間、自分が作業したことしか反映されないんで。なんかそういうところで自分の存在価値にふと気づいたりしてくれるといいなと思うんですね。単純に自分自身が楽しむため。自分で自分自身を新たに見つけるため。それは結局何のために生きているかっていうことなんですけど。子供や若い人に伝えたいのはとにかく「この世は生きる価値があるんじゃないかな。」ということを感じてもらうっていうことです。生きているといろいろいいことあるよと。その一つとして自然の素材を使って自分や誰かの為に何かを作るって自己肯定感もあるし、楽しいよっていうことを伝えていきたいんです。

ー吉川さんは、作家活動の他、学校やワークショップで教え、ここでは森を有効に活用するための事業を立ち上げようとしていたりと、幅広く活動されていますが、これらは吉川さんの中ではどのように繋がっているのでしょうか。

 やっていることは結局皆一緒かもしれないですね。木を削って何かを作ることは楽しいので、僕は仕事としてやっていて、そしてその楽しみを他の人とシェアしたいと。全てそういう考えでやっているというか。なので自分の肩書きは一応海外ではアーティスト、日本では木作家(もくさっか)と名乗っていますけど、あえて固定しなくてもいいかなと思っています、なので今、僕の名刺には「吉川和人」としか書いてないんです。

 

*このインタビューは2019年9月21日、吉川さんの三重の工房で行われました。


尾形アツシ Atsushi Ogata - CRACKLED

尾形アツシ  Atsushi Ogata - CRACKLED

尾形アツシ
1960 東京生まれ
1996 東京にて雑誌編集者を経て愛知県窯業高等技術専門学校卒業。
1998 愛知県瀬戸市にて独立
2007 奈良県宇陀市に工房移転
2009 登り窯築窯
現在に至る
 
貫入という言葉があります。釉薬の表面におきた小さなヒビ割れのことです。
このヒビ割れに茶渋などが入りこむことで、使い込まれた風合いがでてきます。
ヒビ手の器は貫入の風合いを化粧土で表現したものですが、
土自身が反応して起こす自然なヒビの風合いに面白味を感じています。
器の表情に自然と土とが織り成した痕跡があることに、たまらなく魅力を感じているのかもしれません。
尾形アツシ
 
Atsushi Ogata
Born in Tokyo in 1960. 
After leaving his position as an editor...


赤木明登の言葉

赤木明登の言葉

 

「美しいということとは、いったいどういうことなのか? 」ずっと考えている。だが、ぼくが向き合ってきたのは、おそらく人間の知性では、答えることのできない問いなのかもしれない。それでもたった一つだけ希望がある。それは、使うためのうつわをつくりつづけ、素材への愛と探求をやめないことだ。塗りつづけながら、ぼくの抱えている難問に、漆のほうから答えを与えてくれる可能性を、少しずつ感じるようになってきた。ー essence kyoto での個展 (2019.4.13-21)に寄せて

僕は、なぜ輪島に来たのか、どうして漆を手にしたのかと考えつづけてきました。実は、最初からその答えがわかって輪島に来たのではなく、ほとんど直感的でした。そして、ようやく僕が見つけたのは、せいいっぱい自分になる、自分をするという単純なことでした。そのことと矛盾するのかもしれませんが、僕にとってものを作るということは、いかに自分を消すか、小さな、とらわれている自分を消してしまうかということです。結果、無心になれたとき、もしくは、完璧な作為がなされたとき、美しさが彼方よりやってくるような気がするのです。朝から一日、薄暗い部屋の中で単純な作業を黙々とつづけ、夕方になってふと我に返ったとき、涙の出るような幸福感を味わうことがあります。こんな仕事を、これからもくり返すことができたらいいなあと思っています。ー著書「名前のない道」に1994年に開いた初個展の時、案内状とともに手紙にして添えた文章として紹介されています。

こころざしは、はっきりと目には見えません。心で感じるものです。優れた花人の生けた花が、ただ花入れに自然の草花を投げ入れただけにもかかわらず、高い精神性を感じさせるのと同じように。器も特別なものである必要はありません。ぽんと食卓の上にあればいいのです。ー「うちの食器棚」

 

色について

(漆の)黒と赤は、陰と陽だよ。死と生も象徴している。命は、外側を死に取り囲まれているけれど、だからこそ輝いていられるんだ。ー「塗師物語」

漆には、基本的に赤と黒しかない。それは漆という素材が本来透明ではなく、茶褐色半透明なので強い色調しか発色させることができないからだ。だが、黒という単色の色の中にさえ、宇宙に匹敵するような多様性がある。「名前のない道」

黒の中に、グラデーションのように白や、青や、紫を感じさせる光がある。赤という色とても同じだ。そこにあるのは、僕の想う黒と、僕の想う赤だけなのだ。無限の大海のような黒の世界で、自分の黒を見つけること。無辺の宇宙を漂うようにして、一点の赤を見つけること。それは、途方もない孤独な道のりだけれど、僕は、そこに魂の自由を感じている。「塗師物語」

 

美とかたちについて

美しい形は人が頭で考えて作り出すことなんてできないんじゃないかな。ー「名前のない道」

美しい形は、偶然にしか現れず、人はそれと出会うのをただ待っていることしかできないのだ。ー「名前のない道」

相対的なものが、すべてではない。普遍的なものがどこかにあるはずだ。そして普遍性は必ず生命の本質にかかわるものだろう。ー「名前のない道」

 

自身の作品について

「写し」とは、古いものをそのままコピーして作ることではない。新しいものを古く見せて、人を騙すのは「贋作」だ。そうではなくて、古いものを美しくしている何か、必然性のようなものを掴んで、咀嚼し、その形の中にある漠たる世界から、自分ならばこれだという一つの線、一つの色を見つけていく作業なのだ。ー「塗師物語」

僕が始めたのは、漆の世界にテクスチャーを回復させること。直接触れなくても感じられる、やわらかい手触りと、あたたかい温度を、漆の器の表面に取り戻すこと。ー「名前のない道」

ぼくは、いつも自らが選択を強いられるとき、その根拠を問いつづけてきたが、もちろん答えはない。あるとすれば、自分が選び取った一本の線、一つの色、質感は、変化しつづけている自分の、ある瞬間にすぎない。つまり、ぼく自身が変化しつづけるものであるからこそ、出会うことのできる個別性であって、それこそがぼくの内にある自然の正体ではないかということに、ようやく気がついた。ぼくの個別的な「好み」を何処までも追いかけるということは、ぼくの内なる自然と、素材という自然を重ね合わせることである。そういう個別性と個別性が出会ったときに、形は、色は、生まれる。そして、その刹那に、自然の向こう側にある何か大きなものとの接続を感じる。そこが「美しいもの」が生まれる場所である。ー「二十一世紀民藝」

かつては、精神的なものと物質的なものは別物で、どこか対立するもののように思われてきた。でも、そこに物質性は何も無いという、仮想現実というのが立ち現れてくると、物質と精神というのが改めて不可分であったというか、別々にあるものではなく、もともと一つのもの、不二であったのだということが、よくわかる。手で触れられるもの、匂いを感じるもの、温度が伝わるものが、いかにぼくたちの心に作用をおよぼす大切なものなのか、やっと気づいたのだ。ー「うつわを巡る旅」

 

作品はこちら

 


Words of Akito Akagi ( English )

Words of Akito Akagi ( English )

I have always been thinking what is beauty?. But what I have faced may be a question that cannot be answered by human intelligence. But there is only one hope. It is that continuing to make utsuwa to use, and never stop loving and seeking materials. I keep lacquering, and I came to feel the possibility little by little to get the answer to my difficult question from lacquer. - A message by Akito Akagi for his solo exhibition held at essence kyoto in 13-21 Apr. 2019.

Words quoted from his...